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Facebook Review: DUNKIRK

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Due parole su Dunkirk.

È un’esperienza sensoriale abbastanza unica: visivamente, perché è girato e fotografato in maniera iper naturalistica, ma soprattutto uditivamente. Uno dei migliori reparti sonori di sempre. Ti sembra di essere lì, a Dunkirk. Altra cosa notevolissima è che il nemico non ha volto, il nemico è la guerra, è la morte – non i nazisti. Sembra quasi il racconto di una catastrofe naturale, inevitabile e inarrestabile. In questo ricorda molto i romanzi di Kurt Vonnegut, e non si tratta di una chiave di lettura banale, ma anzi è molto ricercata.

Ci sono anche punti deboli, come il solito fatto che Nolan, nella sua missione estetizzante, si dimentica ancora una volta che gli uomini vomitano, sanguinano, piangono e tutte queste cose amene. Specie in guerra. In generale Dunkirk rimane un film freddo, perché Nolan è un regista freddo e anche se prova a non esserlo non ci riesce.

Nonostate tutto ci troviamo comunque di fronte ad un’opera molto distante dai canoni hollywoodiani. Un’opera rarefatta, contemplativa, autoriale. I film con queste caratteristiche non possono essere tanto sezionati e discussi, ma vanno presi così come sono. Come i quadri. Ecco, Dunkirk è un quadro molto personale che vale la pena vedere.

Voto: 8/10

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Pubblicato da su 30 gennaio 2018 in Guerra

 

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Walk the Line

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Titolo originale
: Walk the line
Titolo italiano: Quando l’amore brucia l’anima
Anno: 2005
Nazionalità: USA
Regia: James Mangold
Interpreti: Joaquin Phoenix, Reese Witherspoon, Robert Patrick

Perchè questo film
Da un qualche tempo mi piace lavorare al pc ascoltando su youtube lunghe compilation di cantanti che conosco solo superficialmente. Mi permette di esplorare discografie spesso sconfinate senza la fatica di scegliere i pezzi e di masticarli uno per uno, ma lasciando che la musica mi scivoli addosso con facilità, solleticandomi qui e lì. Poi, se esco dall’ascolto soddisfatto, è probabile che ritorni sullo lo stesso video altre volte. Pian piano il solletico si trasforma in familiarità e inizio a riconoscere i pezzi e ad approfondirne la storia e i contenuti. Ultimamente questo approccio mi ha fatto avvicinare alla musica di Jonny Cash che mi ha catturato per la sua doppia anima indemoniata e malinconica, per le ritmiche così tipicamente anni 50, gli arrangiamenti asciutti ma penetranti e la sua voce vellutata. Quando dal fluire ininterrotto del meraviglioso Greatest Hits da 2 ore mezza che potete trovare a questo link emerse per la prima volta distintamente la sua Walk the Line ne fui seriamente folgorato. Non so bene spiegarne il motivo; forse, ripensandoci, perchè comunica una rassegnata determinazione cui io sono molto familiare. In ogni caso avevo bisogno di capire il motivo del formicolio che mi causava quella canzone e allora ho pensato di guardare l’omonimo film del 2005 alla ricerca di una risposta. L’avrò trovata?

I punti di forza
Il film ha molti notevoli pregi ma anche qualche irrimediabile difetto che gli impedisce di essere indimenticabile. Ed è un peccato perché si tratta di un’opera di ottima fattura. Il problema è la visione di insieme, è che il racconto risulta un po’ incompleto, inconcludente. Ma andiamo con calma. Prima di tutto ci tengo a dire che il film ha alcuni momenti altissimi che da soli valgono la visione. Ad esempio quando il produttore della neonata Sun Records con un discorso sulla necessità di parlare della realtà vera senza sovrastrutture spirituali strappa al giovane Johnny la prima soffertissima versione del Folsom Prison Blues: non si può restare indifferenti davanti a tanta sensibilità e non si può non elogiare l’interpretazione così a fuoco di Phoenix, o l’educatissima regia di Mangold. Ugualmente il confronto padre-figlio verso la fine del film è fantastico nel suo abbozzare una complessità sotterranea fatta di rancori e invidie, ma anche di sensi di colpa e proiezioni dei propri fantasmi sull’altro. È un momento portante che scioglie nodi per crearne degli altri e che dimostra quanto le nostre azioni siano indirizzate dal desiderio di frustrare o soddisfare i genitori (spesso entrambe le cose). I raccordi narrativi alla prima parte del film e gli agganci lasciati per la chiusura sono l’ossatura della storyline più scarna ma più cruda del film, che si può permettere di sottointendere molto per quanto sono significativi i momenti messi in scena. Come dramma familiare Walk the Line è veramente forte.
E il resto? Ricostruzione storica? Storia d’amore? Film musicale? Biopic che dedica molto spazio alla dipendenza da stupefacenti?

Bene, benino, male
La messinscena devo dire che mi ha molto colpito, ma non solo per costumi e scenografie. Quel che dà valore alla dimensione storica del film è soprattutto la ricostruzione di quella vita anni 50 che temporalmente ci è così vicina ma sembra seriamente appartenente ad un altro mondo. Per le abitudini, le famiglie numerose, il modo di vivere le relazioni di coppia, la difficoltà di allontanarsi dalle tradizioni di famiglia, i seri problemi di comunicazione tra i sessi, l’irreversibilità di certe scelte. Tra l’altro gli Stati Uniti degli anni 50 stavano iniziando a rendersi conto delle contraddizioni che il sogno americano aveva prodotto, con un lato della medaglia contraddistinto dal puritanismo spinto, perbene ma frustrato in molti modi, e l’altro lato fatto di stenti e criminalità, di sfoghi, violenza e vizi distruttivi. In realtà uno dei motivi per cui Cash è assurto a leggenda fu proprio per il suo incarnare le contraddizioni dell’epoca: la sua figura vive una continua altalena tra fede ed eresia, tra impegno familiare e relazioni extraconiugali, tra romanticismo e disfattismo. Se questo parallelo America/Cash fosse stato allineato con la complicata cornice familiare di cui ho parlato sopra ne sarebbe uscito un film incredibile. Purtroppo regista e sceneggiatore non ci sono riusciti, o almeno non sempre e non del tutto. L’impressione è che i filoni narrativi e tematici a un certo punto vadano completamente fuori fase, la musica che aveva commentato perfettamente la prima parte del film diventa una semplice sottofondo per poi sparire del tutto. La telecamera si avvicina troppo al protagonista tagliando fuori elementi di contesto importanti e il film si trasforma da un grande affresco alla solita storia di droga che abbiamo visto mille volte al cinema. Quando Johnny si riprende e insieme si riprende anche il film oramai è troppo tardi, lo spettatore ha perso l’orientamento e il buon finale può solo mettere una pezza. Io credo che non si possa più parlare di droga in questo modo così scolastico, non dopo Trainspotting, Requiem for a Dream e Pulp Fiction. Le sostanze, gli eccessi, la solitudine, l’overdose, il riscatto (o il tracollo) sono diventati cliché: basta, non ne posso più.

Walk the Line
Resta da dire se ho trovato risposta alla domanda che mi aveva portato a guardare il film. Che dire? Sì e no. Nel senso che sì, credo di averla trovata, ma è stata una faticaccia e molto lavoro l’ho dovuto fare io. Da un film che prendeva il titolo da una delle più significative canzoni di Cash mi aspettavo molto più lavoro in questo senso. Johnny Cash è stato un costruttore e un distruttore, ha passato un vita in bilico tra la volontà di mettere in piedi qualcosa di importante (famiglia, successo, musica) e l’istinto di bruciarsi. Il senso di colpa per la morte del fratello, il rifiuto da parte di suo padre, la sua indole boderline per tutta la vita gli hanno messo i bastoni tra le ruote, abbattendolo o esaltandolo in maniera esagerata e spingendolo verso la facile consolazione della cocaina. Ma allo stesso tempo egli ci teneva davvero a diventare una fonte di ispirazione per le persone, a soddisfare la sua amata, a dimostrare a suo padre di non essere un poco di buono, e da qui quella spinta, anche solo temporanea a dire “ce la posso fare a rigare dritto, lo farò per te e per me”. Il film parla di tutto questo, ma non vi si concentra a sufficienza a parer mio, crea dei fili ma non li tira per bene, per cui la sensazione è di essere di fronte a un’opera fuori fuoco, un’occasione parzialmente persa. Vi sono momenti molto intensi e il lavoro sulla messinscena è notevole, il ritmo è buono e la musica è bellissima, ma il film non ha un punto e si dimostra pigro in più punti. E non è una scelta di regia, ma un errore. L’errore di pensare che mettendo degli ottimi ingredienti sul tavolo questi si impastino da soli producendo una prelibatezza.

Voto: 7/10

 
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Pubblicato da su 24 settembre 2014 in Drammatico, Musicale

 

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I Sospiri del mio Cuore

sospiri
Titolo originale
: Mimi o Sumaseba (trad. lett. Se tendi l’orecchio)
Titolo italiano: I Sospiri del Mio Cuore
Anno: 1995
Nazionalità: Giappone
Regia: Yoshifumi Kondō
Sceneggiatura: Hayao Miyazaki

Perché questo film
La scorsa settimana mi trovavo in uno dei tanti centri Mondadori di Milano quando, girovagando tra gli scaffali della sezione cinema, ho avuto un attacco di serendipità. Avrei guardato e recensito un anime d’annata, preferibilmente non troppo mainstream, del genere racconto urbano, favola di formazione o novella ambientalista – tutte cose che giapponesi sanno fare davvero molto bene. Mentre scorrevo con lo sguardo la corposa collezione di animazione nipponica a disposizione, tre titoli sono riusciti ad attirare la mia attenzione. Viaggio verso Agartha si presentava come una leggera e colorata avventura fantasy, una specie di incrocio tra Laputa e Howl, diretta da un regista emergente ma, secondo la quarta di copertina, molto talentuoso; Le voci della nostra infanzia, dai disegni più ruvidi e scoloriti, sembrava proporre una vicenda meno trasognata, contraddistinta dall’asprezza del secondo dopoguerra; I sospiri del mio cuore (titolo chiaramente frutto di una pessima scelta di distribuzione), appariva come un dramma adolescenziale di crescita, maturazione e disillusione. Dopo essermi segnato i titoli sono tornato a casa e ho cercato i film su internet. L’eccellente qualità dello streaming de I sospiri del mio cuore mi ha convinto subito. E così ecco qui la nuova recensione.

Genere
Appena sopra ho scritto che il film “appariva come un dramma adolescenziale di crescita, maturazione e disillusione”. Appariva. Le mie impressioni iniziali si sono rivelate esatte? Beh, abbastanza, anche se non completamente.
Il termine dramma può venire utilizzato con varie intenzioni e accezioni e quindi, a differenza della quale si sceglie, esso può rivelarsi più o meno appropriato. Se ci si affida all’etimologia classica è un semplice sinonimo di “storia”, fondamentalmente privo di sfumature, mentre se lo si utilizza nel suo significato più spinto esso può assumere tinte anche molto oscure, arrivando a combaciare con il termine “tragedia”. Io intendevo, e generalmente intendo, una via di mezzo tra questi due estremi: per me un dramma è una storia ricca di conflitto, qualsiasi genere di conflitto, e soprattutto conflitto che può risolversi come non risolversi e che può condurre sia a grandi dolori sia a grandi gioie. Non c’è un giudizio di valore. I sospiri del mio cuore è un film pieno di incontri e di scontri: tra ragazzi e ragazze, tra genitori e figli, tra realtà e aspirazioni, tra presente e futuro. Dunque, per me, è un dramma.
“Adolescenziale” (senza la i, mi raccomando!) è un altro termine abbastanza vago. Bisognerebbe mettersi d’accordo sul momento in cui inizia l’adolescenza e quando finisce. Volendo essere particolarmente pedanti i ragazzi protagonisti, che hanno 13 anni, si trovano proprio nel periodo di transizione tra pre-adolescenza ed adolescenza. Che cosa diavolo sia la pre-adolescenza non saprei dire, per cui preferisco parlare di passaggio tra infanzia e adolescenza, che è fondamentale, insomma, perché i desideri di indipendenza diventano prepotenti, si inizia a pensare alla direzione da dare alla propria vita e la componente emotivo-sessuale vive un’amplificazione non da poco.
Crescita, maturazione e disillusione sono momenti importanti del percorso verso la dimensione adulta. I ragazzi protagonisti nel corso della vicenda maturano moltissimo, e non in maniera indolore. C’è una gran turbolenza nel modo di porsi di Shizuku, c’è energia, confusione, desiderio e paura: la sua crescita è complessa e conflittuale e per questo drammatica, e molto vera. Ma non me la sentirei di parlare di disillusione. Nella vita di tutti i giorni disillusione fa rima con rassegnazione, con la consapevolezza di dover accettare anche i lati peggiori della vita. No, I sospiri del mio cuore non è un film disilluso, anzi è un film speranzoso. I personaggi realizzano di dover scendere a compromessi con il mondo, che non si può avere tutto e soprattutto che non si può averlo subito, ma questa comprensione dona gusto ai quotidiani progressi, piuttosto che scolorirli.
Poi, in più, il film offre diverso altro materiale a cui sarebbe possibile dare un nome. Vi è una componente musicale non secondaria, che incornicia la vicenda e riemerge ora qui ora lì. La dimensione fantastica, quasi mitica, che aleggia per la prima parte del film, a un certo punto irrompe con una certa forza sulla scena. L’ambientazione suburbana è importante (oltre che visivamente suggestiva), dipinge vite frenetiche e stressanti, da cui diventa importante trovare rifugio.

Storia e Personaggi
Ma insomma, di cosa parla, I sospiri del mio cuore? Parla di Shizuko e di Seiji, destinati ad incontrarsi, il cui iniziale attrito si trasforma in un sincero affetto, che poi diventa amore. Ma c’è dell’altro. I ragazzi sono tormentati dalle loro ambizioni. Dal loro bisogno di avere ambizioni. Della necessità di mettersi alla prova. Di esprimere loro stessi. E di dimostrare qualcosa al mondo. Avranno bisogno l’uno dell’altro per chiarirsi le idee, lasciarsi andare, fare progetti e trovare il coraggio necessario per imbarcarvicisi.
Ma tutto questo in maniera sottile e non banale, non vi è nessun aperto patetismo o esplicita comunione tra di loro; semplicemente l’individualità dell’uno giunge a trovare in quella dell’altro uno spunto di riflessione, una fonte di energia, uno specchio in cui riflettersi e una realtà con cui confrontarsi.
È bellissimo assistere alla crescita del rapporto tra i due, a tutte le sfide e alle frecciatine che inizialmente si lanciano, al percorso emotivo che li conduce dall’imbarazzo all’ammirazione, dalla tenerezza all’attaccamento. Ed è abbastanza emblematico il fatto che la maggior parte degli antagonismi che l’uno e l’altro devono affrontare vengono dalle rispettive famiglie. In particolare Shizuko ha una madre assente e non esattamente premurosa e una sorella maggiore severa e poco comprensiva. Si tratta si figure appropriatemene sfocate, sempre in movimento, troppo indaffarate per potersi fermare ad ascoltare; non sono in cattiva fede, semplicemente fanno fatica a capire la giovane ragazza e tendono a considerare i loro problemi molto più grandi di quelli di lei. È difficile per Shizuko, cresciuta in mezzo alle pretese, ai silenzi e probabilmente a leggere pressioni economiche, riuscire ad esprimersi in libertà. Per fortuna l’incontro con Seiji e con il suo vecchio nonno la libereranno dalle fatiche della quotidianità familiare e le insegneranno a guardarsi dentro un po’ di più. Il nonno in particolare è un personaggio molto positivo, calmo, paziente e saggio. Paradossalmente è più vicino lui al mondo dei ragazzi di quanto lo siano i loro genitori, così indaffarati e così distanti. La vecchiaia, sembra dirci il regista, insieme alla passione per la musica, predispone all’ascolto, alla comprensione all’aiuto.

Concludendo…
Un po’ di cose disordinate.
I disegni sono pazzeschi, e c’era da aspettarselo, dato che si tratta di un film dello Studio Ghibli. I disegnatori sono fantastici nel loro saper catturare con pochi tratti lo stato d’animo dei personaggi. Lo stile degli anime, se si escludono le sue derive più naturaliste, è uno stile stilizzato, espressionista, che enfatizza la mimica facciale; solo che, mentre questa caratteristica viene utilizzata solitamente per suscitare comicità o orrore o altre ben definite emozioni, qui, grazie allo studio di Miyazaki, diventa arte. L’incontro tra la sintesi emotiva compiuta dal leggero tratto con cui sono disegnate le figure e la suggestione pittorica dei fondali è magico.
Il film, per me, dura un po’ troppo. E’ bello in ogni suo punto, ma verso i 2/3 ho iniziato a percepire un po’ di affaticamento, in parte per la lentezza dei tempi narrativi, in parte perché la storia prende una svolta particolare e si resta per molto tempo in attesa che succeda qualcosa di sostanzioso. Per quel che mi riguarda l’attesa viene ripagata – anche se non in maniera pirotecnica ma con una scena di grande intima intensità che vede protagonista Shizuko e il nonno di Seiji – però che fatica arrivarci! Il finale invece, anche se inizialmente può sembrare mutilato e lasciare a bocca asciutta, secondo me è ottimo. Una storia di transizione e trasformazione non poteva che concludersi con un inizio, è giusto così.
Infine, il target. Uno dei grandi pregi di questi film è che parlano un po’ di tutto, e lo fanno in maniera accessibile sia ai più giovani sia a chi è più maturo. Consiglierei I sospiri del mio cuore ai tredicenni in crisi di identità come ai loro genitori che fanno fatica a capirli e non sanno bene come comportarsi. Lo consiglierei ai ragazzi come alle ragazze, perché, nonostante l’anima del film sia femminile, la storia di Shizuko insegna come è possibile comprendersi e comunicare, oltre che tra generazioni anche tra sessi diversi. E infine consiglierei il film a chiunque sta affrontando dei cambiamenti nella propria vita, in particolare persone come me, cioè ragazzi-adulti, in parte spinti dal forte desiderio di emancipazione e in parte trattenuti da un’incatenante necessità di protezione. Miyazaki, Kondo e lo Studio Ghibli ci possono fare forza e aiutare a capire dove stiamo sbagliando.

“Non c’è niente da temere: nei giorni di luna nuova lo spazio si distorce. Ciò che è distante appare vicino e ciò che è prossimo più piccolo, solo questo.”

Voto: 9/10

 
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Pubblicato da su 8 dicembre 2013 in Animazione, Commedia, Drammatico, Teen

 

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A Late Quartet

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Titolo originale
: A Late Quartet
Titolo italiano: Una Fragile Armonia
Anno: 2012
Nazionalità: USA
Regia: Yaron Zilberman
Interpreti: Philip Seymour Hoffman, Christopher Walken, Imogen Poots, Catherine Keener

Perché questo film
In famiglia, da me, si è sempre ascoltata moltissima musica classica. Mio fratello suona il violino da più di 10 anni e, un po’ per questo, un po’ per indole personale, i miei sono da sempre appassionati – tra le altre cose – di musica da camera. Avevo scaricato per mia mamma la versione inglese di questo film quando ancora in Italia non si parlava di distribuzione e ieri, mentre decidevo cosa guardare e recensire, me lo sono trovato davanti. Ho pensato: “un film drammatico che tratta le difficoltà di un microcosmo musicale, con Philip Seymur Hoffman… figata!” Così mi sono preso il pomeriggio libero e l’ho guardato. Segue il mio parere.

Trama
Stati Uniti, giorni nostri. La solida alchimia di un famoso quartetto di archi entra in crisi nel momento in cui il membro più anziano, il violoncellista Peter, inizia ad accusare i primi sintomi del morbo di Parkinson. Daniel e Robert, rispettivamente primo e secondo violino entrano in conflitto per diversi motivi, legati al passato e al presente, e si litigano il ruolo. Robert e Juliet, marito e moglie, vivono i conflitti interni al gruppo in maniera poco adulta e poco unita, e finiscono per allontanarsi. La loro figlia, Alex, reagisce in maniera rabbiosa alla crisi coniugale dei genitori, portando a galla vecchi dolori e cercando consolazione là dove non dovrebbe. Juliet è stata adottata da Peter dopo la morte della madre, e ha conosciuto Robert grazie al quartetto, dopo avere avuto una storia con Daniel. Quel che vediamo sullo schermo è un intreccio fitto di legami affettivi e professionali, che spesso tendono a sovrapporsi e si organizzano a comporre un quadro intenso, centrato sulle relazioni, sui loro risvolti ombrosi, sulla loro forza  – e ciò fa di A Late Quartet un film sulla famiglia, ancor prima che un film sulla musica.

Struttura
Leggendo la sinossi si potrebbe pensare che il film voglia parlare di un po’ troppe cose, e una sensazione simile la si prova anche guardandolo. È un equilibrio difficile quello a cui ambisce il regista Yaron Zilberman, che si impegna a fondo affinché la sua narrazione risulti centripeta e non centrifuga. E ci riesce… cioè, il baricentro della narrazione rimane sempre il quartetto, con il suo passato, i suoi problemi, i suoi rapporti di forza e le sue storie d’amore. A Late Quartet è un film sui ruoli, sui conflitti che essi possono causare tra le persone e nelle persone, specie quando lavoro e famiglia tendono ad amalgamarsi troppo. C’è grande consapevolezza di scrittura nel gestire le identità personali e collettive cui partecipano Peter, Daniel, Robert e Juliet, nel mostrarle in conflitto e poi in crisi. Ma, mentre da un lato questa consapevolezza e questa pragmaticità registica consentono al film di rimanere compatto e non sbrindellarsi in una coralità che avrebbe avuto poco a che fare i temi trattati, da un altro lato rendono l’opera un po’ stilizzata, un po’ troppo composta, e in definitiva non così sorprendente. Almeno, non sorprendente sul piano narrativo. La storia è ben congegnata, gli equilibri tra personaggi efficienti, tuttavia a volte si annusa l’artificio dietro tutto questo, nell’impegno ad aprire e chiudere parentesi così diligentemente, a recuperare tutti i dettagli introdotti per riutilizzarli. La conseguenza di ciò è che quasi nulla di quel che si vede arriva a coinvolgere veramente, nulla ci lascia così stupiti e il tutto rischia di passare e finire senza lasciare molta traccia. A Late Quartet è un film un po’ moscio, perchè un po’ troppo garbato.

Interpretazione
Questo se non ci fossero due ulteriori livelli cinematografici in grado di arricchire di molto l’esperienza dello spettatore. Il primo – ce lo si poteva aspettare – è la recitazione. Chi guarda un film così, me compreso, molto prima che per la storia o per le tematiche trattate, lo fa per gli attori.
Philip Seymur Hoffman, per non chi lo conoscesse, è un camaleonte: sembra essere nato per tutti i ruoli in cui ha recitato. Qui intrepreta Robert, un secondo violinista lievemente frustrato che, scosso dalla malattia di Peter, arriva a rendersi conto di aver rinunciato a troppe cose nella vita. La struttura del film non ci permette di immergerci completamente nella dimensione umana di David, non dispone di scene volte a fare interiorizzare al pubblico la sua confusione, la sua testardaggine, il suo crescente astio nei confronti di David, ma, per fortuna, molte emozioni passano grazie alla grande interpretazione di Philip Seymur Hoffman. Il suo sguardo basso e rabbioso, la sua postura, la sua voce veemente ma spezzata raccontano lo stato di mortificazione del personaggio in maniera molto vivida.
Cristopher Walken è forse ancora più intenso nella sua interpretazione di Peter. Quello sguardo vispo ma a tratti sconsolato, quella punta di risolutezza in una voce altrimenti pacata, i movimenti rapidi e precisi, da violoncellista navigato, che si sbriciolano a causa del Parkinson. La sua è una prova incredibile. Tutti gli attori sono incredibili, così come lo è l’abilità del dirigerli. Chapeu a Zilberman su questo.

Musica
Il secondo aspetto importante per la riuscita del film è il dialogo che la narrazione ha con la musica. Musica che inizialmente porta alla scoperta della malattia di Peter, ed è quindi destabilizzante, musica che accompagna il gruppo al momento di maggiore conflitto del film e, alla fine, musica che sostiene, che colma i vuoti e che unisce le persone. L’opera 131 di Beethoven, una delle più difficili del compositore, presentata fin da subito come una corsa da far venire il fiatone, chiosa la storia, la riempie di sfumature e ne offre una lettura alta, sublimata. Della musica si parla più e più volte: persone che amano la musica e vivono di musica non possono che confrontarcisi continuamente. Così una descrizione del lavoro del secondo violino, sommesso ma colorato, che dà profondità alla melodia, viaggiando “appena sotto la superficie”, diventa un po’ la descrizione dello stile di vita che si è scelto Robert. Oppure, il suggerimento di Peter ai suoi allievi di valorizzare quel che di buono c’è in un’interpretazione piuttosto che di struggersi per quel che non funziona individua il grande problema che hanno un po’ tutti, da Daniel a Juliet, ovvero non riuscire a trovare sufficiente quel che di bello hanno nella loro vita. Ancora, la sfida che Robert lancia a Daniel, di lasciarsi andare di più nella musica, abbandonando la freddezza e il calcolo a favore della passione, segnerà un momento importante nella vicenda, perché verrà presa un po’ troppo alla lettera.

Insomma, A Late Quartet sarà forse un po’ prevedibile, costruito (come certa musica) in maniera matematica, ma questo aspetto è identificabile solo una volta che si è giunti alla conclusione e si tirano le somme. Stare dentro al film, e farsi trascinare dalla crescente turbolenza della storia, venire ammaliati dal grande lavoro attoriale ed essere stimolati dai dialoghi, è molto appagante. Nulla risulta davvero scontato, nulla davvero noioso. Oltre ad essere un po’ moscio e troppo garbato, come detto, A Late Quartet è un film stratificato e maturo, che merita di essere visto.

Voto: 7/10

 
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Pubblicato da su 3 novembre 2013 in Drammatico, Musicale

 

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