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Interstellar

interstellar
Titolo originale
: Interstellar
Titolo italiano: Interstellar
Anno: 2014
Nazionalità: USA
Regia: Christopher Nolan
Interpreti: Matthew McConaughey, Anne Hathaway, Jessica Chastain, Michael Caine, Matt Damon

Perchè questo film
Perchè il cinema di Nolan mi piace molto. È un cinema cerebrale e ambizioso, da cui non si sa mai cosa aspettarsi e che è riuscito sempre a incuriosirmi prima, e conquistarmi dopo. Nel progetto Interstellar Nolan riesce perfino a coinvolgere Kip Thorne: fisico teorico di enorme fama, che ha abbracciato completamente il compito di dare vita ad un buco nero digitale. Già da questo si capisce quanto Nolan sia un regista ossessionato, perfezionista, artisticamente così irrequieto che ad ogni nuovo film si sente in dovere di alzare l’asticella, correndo rischi sconsiderati per qualcuno che lavora a così alto budget. E sebbene abbia collezionato diversi scivoloni lungo la propria filmografia – ce ne sono anche in questo film – allo stesso tempo egli è sempre riuscito a fare le cose a modo proprio.
In aggiunta a tutto questo, va detto, io ero il target prefetto per una pellicola di questo genere: adoro l’hard sci-fi e ne conosco ambizioni e stilemi; sono stato un paio d’anni appassionato di astrofisica – ai suoi tempi ho affrontato la lettura di Barrow e Davies e Hawking su relatività, freccia del tempo, mondi a più dimensioni, singolarità fisiche, universi paralleli, eccetera; e infine 2001: Odissea nello spazio è il mio film preferito di sempre, ci ho fatto la tesina di maturità, più di un esame a Brera, e l’avrò visto una decina di volte. Non ho dubbi sul fatto che gran parte del pubblico non fosse intellettualmente preparata per assistere ad un’opera come Interstellar, ma non lo sostengo con spregio, anzi, questo ha generato una varietà di risposte curiosamente ampia all’opera di Nolan con moltissime recensioni che si sono concentrate su aspetti della trama a che a me sono sembrati secondari. È molto bello quando un film si dimostra tanto stratificato da generare interpretazioni e giudizi più che discordanti, proprio non allineati, come se riguardassero cose diverse. C’è chi ha definito il film fascista. Chi transumanista. Chi intimista. Chi ottimista e chi pessimista. Chi commerciale, chi autoriale, chi confuso, chi lucido, chi appassionato e chi freddo. C’è chi ha detto che si tratta di un’opera sull’amore, chi sull’ambizione, chi sulla solitudine. Qualcuno ci ha visto dentro tanto Gravity, chi tanto 2001 e chi tanto Inception. Io l’ho trovata una pellicola sull’inevitabilità degli accadimenti, alla Vonnegut, ma senza tutto l’apparato di rassegnazione autoironica. Da questo punto di vista ha diverse cose in comune con Le Sirene di Titano, che è un capolavoro davvero troppo sconosciuto e di cui consiglio la lettura a chiunque abbia apprezzato questo film.

L’anima dell’opera
Interstellar è più della somma delle sue parti. Potremmo passare giorni ad elencare i punti di forza e debolezza della scrittura, della messinscena, delle interpretazioni attoriali, e lo stesso non saremmo un passo più vicini al giudizio dell’opera come tale. La colonna sonora è meravigliosa. I drammi umani sono trattati con intelligenza. La risoluzione del gap temporale è commovente. L’arrivo a Gargantua non solo è un momento spinto di sense of wonder ma testimonia il traguardo cinematografico importante della ricostruzione visiva di un buco nero. Le IA sono originali ma a volte risultano un po’ troppo sopra le righe. La scientificità dell’opera si fa molto più sentire nella riproduzione delle dinamiche cosmologiche che nella costruzione della vicenda, con i personaggi che sembrano quasi ignari delle cose cui stanno andando incontro. Di conseguenza alcuni dialoghi paiono un po’ fuori contesto. Il wormhole sembra l’ingresso di un livello di Crash Bandicoot. Eccetera. Non si possono mettere sulla bilancia queste cose e ricevere in cambio uno scontrino che dica: “credibile ma un po’ troppo drammatizzato” oppure “un’opera poco compatta ma emozionante”. Davvero, no. È senza dubbio vero che Interstellar vuole essere troppe cose, e di conseguenza gli equilibri narrativi che presenta sono un po’ instabili, ma non si tratta di un’accozzaglia di materiale ma piuttosto di un complicato sistema planetario con un paio di centri di gravità e moltissimo materiale che vi gira attorno: detriti, comete, intuizioni e inquietudini. Interstellar è un film pluridimensionale da esplorare a fondo.

Quali sono questi centri gravitazionali a parer mio? Incredibilmente, gli stessi di Inception. Incredibilmente perchè le due opere sono quasi una l’antitesi dell’altra: dove nella prima c’era un groviglio narrativo inscindibile nella seconda c’è una certa percorribilità, dove una presenta un’opulenta visionarietà l’altra propone un’eleganza stilistica inarrivabile. Eppure al loro cuore entrambe le opere parlano, da un lato, del desiderio consumante di tornare dai propri figli, sconfiggendo rimpianti e sensi di colpa, e dall’altra dello scorrere del tempo. Entrambe queste anime si manifestano con grande potenza dopo il ritorno dal pianeta di Miller, con un Cooper distrutto che si rende conto di cosa abbia significato per lui sacrificare 23 anni della vita con la propria figlia. Sia in Inception sia in Interstellar le persone sono separate da distanze galattiche che riescono ad essere attraversate oltre ogni plausibilità da forze umane, come l’amore, la determinazione e il rimorso. Il cinema di Nolan degli ultimi anni è stato un cinema in cui grandi sentimenti deformano la realtà, rendendo possibile l’impossibile, e non in maniera disneyana, plasticosa, ma per mezzo di strappi nel tessuto del reale, trascendenze fisiche, singolarità che in Interstellar si manifestano nella loro forma più pura. Interstellar e Inception sono operazioni che fanno venire le vertigini, sono puro, distillato sense of wonder, e non sarò mai abbastanza grato a Nolan per aver avuto il coraggio di mettere su pellicola questo suo modo di vedere il mondo.

Un grande difetto
Fermo restando che il nocciolo comunicativo di Interstellar è quello appena illustrato, e non lo cambierei di una virgola, mi sento di criticare un aspetto marginale ma importante per la solidità dell’impalcatura narrativa del film. Sono d’accordo che non vi fosse spazio per sviluppare approfonditamente il contesto social sci-fi, ma l’opera è talmente piena di suggerimenti e input che qualcosa in più poteva essere fatto ai fini di rendere più chiara la situazione della Terra. Più volte nella prima parte del film si parla di una piaga in grado di desertificare il pianeta ma, nonostante vi siano le occasioni per approfondire economicamente e scientificamente la cosa, Nolan non sembra prendersi la briga di farlo. Questo tipo di leggerezza, che è stato perdonato alla maggior parte delle pellicole di fantascienza, qui sembra particolarmente stonato perchè quanto l’opera risulta fisicamente coerente tanto appare politicamente stilizzata. Invece che imbarcarsi in un’avventura galattica estrema l’umanità non poteva combattere la pandemia agricola? E da cosa è stata causata questa piaga? Si accenna da un lato ad un progressivo abbandono della tecnologia e dall’altro alla solita catastrofe ecologica ma non è mai chiaro quale delle due cose sia causa dell’altra.

Amedeo Balbi, nella sua bella recensione, fa giustamente notare che il film può essere letto come un’originale capovolgimento del clichè che vuole l’uomo vittima della propria tracotanza, sconfitto mentre stava ergendo una torre di Babele tecnologica. In Interstellar invece la nostra hubris è proprio quello che ci salva dagli stenti in cui l’abbandono del progresso ci ha catapultati. Forse. Il problema sta proprio nel fatto che questa coraggiosa posizione non sia tenuta con sufficiente fermezza da renderla reale, per cui ottima intuizione, ma poche palle, a parer mio.
Un caso isolato? Purtroppo no. Gli equilibri biochimici umani sono trattati con eguale superficialità. Non solo i protagonisti sopravvivono a stravolgimenti di pressione, attrazione gravitazionale e forza centrifuga estreme, ma non ne sembrano neanche particolarmente affetti – niente vertigini, vomito, emicrania, svenimenti. C’è un timido accenno agli scompensi del decollo, ma nulla di più: di nuovo braccino corto. L’ibernazione è gestita ancora peggio. Non è proprio possibile né che lo scongelamento duri pochi secondi, né che al risveglio ci si senta freschi e riposati, né che il processo si possa ripetere un numero indefinito di volte senza incorrere in seri danni ai tessuti. E poi per quale diavolo di motivo le persone dovrebbero morire di vecchiaia in presenza di una tecnologia crionica matura? Capisco che i Nolan non volessero invischiarsi troppo in questioni bioetiche, e al tempo stesso necessitassero di drammatizzare lo scorrere del tempo attraverso la minaccia della morte. Ma si tratta comunque di un’incoerenza narrativa pesante, che mi ha infastidito molto.
Insomma trovo che ottime intenzioni a livello di soggetto siano state troppo smussate durante la messinscena, per una mancanza di determinazione o forse, la paura di una censura ideologica.

Un colpo di genio [spoiler]
Nella scorsa recensione, qui, ho concluso sostenendo che la più grande mossa da maestro di Goddard fosse stata creare una tale confusione tra livelli narrativi che alla fine non fosse più chiaro quali clichè fossero voluti e quali fossero involontari, favorendo l’assoluzione retroattiva anche per errori non calcolati. Ho trovato un giochetto del genere anche qui.
Come ho accennato ad inizio recensione, a me Interstellar è parso un film sull’inevitabilità degli accadimenti. Un film deterministico, se vogliamo, che sottolinea quanto le forze cosmiche siano impegnate a fare andare l’umanità verso il trionfo. In un certo senso questa morale è inevitabile quando si decide di includere il tempo einsteiniano all’interno della propria opera, per cui non ho idea se Nolan volesse da principio parlare di questo o ci fosse inciampato per forza di cose. Fatto sta che egli, volontariamente o no, finisce ad illustrare quel modo controintuitivo di percepire il tempo tipico della letteratura scientifica del 900 e di alcuni romanzi postmoderni (ho già citato Vonnegut) e a suggerire una finalità cosmica abbastanza in linea con la teoria del principio antropico. Dove sta allora il gioco di prestigio a là Cabin in the Woods? Se era destino che tutto andasse in una certa maniera allora quelli che potrebbero sembrare modi banali per risolvere nodi centrali della vicenda, se non, appunto, clichè (l’attracco di fortuna all’Endurance fuori controllo, il paradosso della libreria, la sopravvivenza di Cooper) non sono scelte narrative pigre, ma la prova dell’esistenza di quella forza risolutrice che manovra la storia e le fa prendere le direzioni desiderate. Difficile a questo punto non vederci la tanto cara metafora nolaniana del cinema come architettura, preponderante in Inception. Oppure, anche, questa chiave di lettura non era stata predisposta e io sono stato gabbato. Ma la struttura dell’opera è tale che non possiamo sapere se determinate scelte sono state fatte apposta o no, per cui ancora una volta, ben fatto, Nolan, ben fatto.

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Cooper e Mann si azzuffano su un deserto pianeta ghiacciato
a milioni di anni luce dalla Terra, tale è il dramma che stanno vivendo.
Se questo non è pazzesco, devo rivedermi il significato di “pazzesco”.

Voto: 9/10

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Pubblicato da su 11 novembre 2014 in Drammatico, Fantascienza, Psicologico

 

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Walk the Line

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Titolo originale
: Walk the line
Titolo italiano: Quando l’amore brucia l’anima
Anno: 2005
Nazionalità: USA
Regia: James Mangold
Interpreti: Joaquin Phoenix, Reese Witherspoon, Robert Patrick

Perchè questo film
Da un qualche tempo mi piace lavorare al pc ascoltando su youtube lunghe compilation di cantanti che conosco solo superficialmente. Mi permette di esplorare discografie spesso sconfinate senza la fatica di scegliere i pezzi e di masticarli uno per uno, ma lasciando che la musica mi scivoli addosso con facilità, solleticandomi qui e lì. Poi, se esco dall’ascolto soddisfatto, è probabile che ritorni sullo lo stesso video altre volte. Pian piano il solletico si trasforma in familiarità e inizio a riconoscere i pezzi e ad approfondirne la storia e i contenuti. Ultimamente questo approccio mi ha fatto avvicinare alla musica di Jonny Cash che mi ha catturato per la sua doppia anima indemoniata e malinconica, per le ritmiche così tipicamente anni 50, gli arrangiamenti asciutti ma penetranti e la sua voce vellutata di un velluto pesante e pieno di increspature. Quando dal fluire ininterrotto del meraviglioso Greatest Hits da 2 ore mezza che potete trovare a questo link emerse per la prima volta distintamente la sua Walk the Line ne fui seriamente folgorato. Non so bene spiegarne il motivo, forse, ripensandoci, perchè comunica una rassegnata determinazione cui io sono molto familiare. In ogni caso avevo bisogno di capire il motivo del formicolio che mi causava quella canzone e allora ho pensato di guardare l’omonimo film del 2005 alla ricerca di una risposta. L’avrò trovata?

I punti di forza
Il film ha molti notevoli pregi ma anche qualche irrimediabile difetto che gli impedisce di essere indimenticabile. Ed è un peccato perchè si tratta di un’opera di ottima fattura che di certo non si fa mancare impegno o sensibilità. Il problema è la visione di insieme, è che il racconto risulta un po’ incompleto, inconcludente. Ma andiamo con calma. Prima di tutto ci tengo a dire che il film ha alcuni momenti altissimi che da soli valgono la visione. Ad esempio quando il produttore della neonata Sun Records con un discorso sulla necessità di parlare della realtà vera senza sovrastrutture spirituali strappa al giovane Johnny la prima soffertissima versione del Folsom Prison Blues: non si può restare indifferenti davanti a tanta dimostrazione di umanità e non si può non elogiare l’interpretazione così a fuoco di Phoenix, o l’educatissima regia di Mangold. Ugualmente il confronto padre-figlio verso la fine del film è fantastico nel suo abbozzare una complessità sotterranea fatta di rancori e invidie, ma anche di sensi di colpa e proiezioni dei propri fantasmi sull’altro. È un momento portante che scioglie nodi per crearne degli altri e che dimostra quanto le nostre azioni siano indirizzate dal desiderio di frustrare o soddisfare i genitori (spesso entrambe le cose). I raccordi narrativi alla prima parte del film e gli agganci lasciati per la chiusura sono l’ossatura della storyline più scarna ma più cruda del film, che si può permettere di sottointendere molto per quanto sono sigificativi i momenti messi in scena. Come dramma familiare Walk the line è a parer mio ottimo.
E il resto? Ricostruzione storica? Storia d’amore? Film musicale? Biopic che dedica molto spazio alla dipendenza da stupefacenti?

Bene, benino, male
La messinscena devo dire che mi ha molto colpito, ma non solo per costumi e scenografie. Quel che dà valore alla dimensione storica del film è soprattutto la ricostruzione di quella vita anni 50 che temporalmente ci è così vicina ma sembra seriamente appartenente ad un altro mondo. Per le abitudini, le famiglie numerose, il modo di vivere le relazioni di coppia, la difficoltà di allontanarsi dalle tradizioni di famiglia, i seri problemi di comunicazione tra i sessi, l’irreversibilità di certe scelte. Tra l’altro gli Stati Uniti degli anni 50 stavano iniziando a rendersi conto delle contraddizioni che il sogno americano aveva prodotto, con un lato della medaglia contraddistinto dal puritanismo spinto, perbene ma frustrato in molti modi, e l’altro lato fatto di stenti e criminalità, di sfoghi, violenza e vizi distruttivi. In realtà uno dei motivi per cui Cash è assurto a leggenda fu proprio per il suo incarnare le contraddizioni dell’epoca: la sua figura vive una continua altalena tra fede ed eresia, tra impegno familiare e relazioni extraconiugali, tra romanticismo e disfattismo. Se questo parallelo America/Cash fosse stato allineato con la complicata cornice familiare di cui ho parlato sopra ne sarebbe uscito un film incredibile. Purtroppo regista e sceneggiatore non ci sono riusciti, o almeno non sempre e non del tutto. L’impressione è che i filoni narrativi e tematici a un certo punto vadano completamente fuori fase, la musica che aveva commentato perfettamente la prima parte del film diventa una semplice sottofondo per poi sparire del tutto. La telecamera si avvicina troppo al protagonista tagliando fuori elementi di contesto importanti e il film si trasforma da un grande affresco alla solita storia di droga che abbiamo visto mille volte al cinema. Quando Johnny si riprende e insieme si riprende anche il film oramai è troppo tardi, lo spettatore ha perso l’orientamento e il buon finale può solo mettere una pezza. Non si può più parlare di droga in questo scolastico a parer mio, non dopo Trainspotting, Requiem for a Dream e Pulp Fiction. Le sostanze, gli eccessi, la solitudine, l’overdose, il riscatto (o il tracollo): basta, non ne posso più.

Walk the Line
Resta da dire se ho trovato risposta alla domanda che mi aveva portato a guardare il film. Che dire? Sì e no. Nel senso che sì, credo di averla trovata, ma è stata una faticaccia e molto lavoro l’ho dovuto fare io. Da un film che prendeva il titolo da una delle più significative canzoni di Cash mi aspettavo molto più lavoro in questo senso. Johnny è stato un costruttore e un distruttore, ha passato un vita in bilico tra la volontà di mettere in piedi qualcosa di importante (famiglia, successo, musica) e l’istinto di bruciarsi. Il senso di colpa per la morte del fratello, il rifiuto da parte di suo padre, la sua indole boderline per tutta la vita gli hanno messo i bastoni tra le ruote, abbattendolo o esaltandolo in maniera esagerata e spingendolo verso la facile consolazione della cocaina. Ma allo stesso tempo egli ci teneva davvero a diventare una fonte di ispirazione per le persone, a soddisfare la sua amata, a dimostrare a suo padre di non essere un poco di buono, e da qui quella spinta, anche solo temporanea a dire “ce la posso fare a rigare dritto, lo farò per te e per me”. Il film parla di tutto questo, ma non vi si concentra a sufficienza a parer mio, crea dei fili ma non li tira per bene, per cui come ho detto sopra la sensazione è di essere di fronte a un’opera sfasata, un po’ inconcludente, che si fa sfuggire tante occasioni per raggiungere picchi artistici. Vi sono momenti molto intensi e il lavoro sulla messinscena è notevole, il ritmo è buono e la musica è bellissima, ma il film non ha un punto e si dimostra pigro in più punti. E non è una scelta di regia, ma un errore. L’errore di pensare che mettendo degli ottimi ingredienti sul tavolo questi si impastino da soli producendo una prelibatezza.

Voto: 7/10

 
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Pubblicato da su 24 settembre 2014 in Drammatico, Musicale

 

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Dellamorte Dellamore

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Titolo originale:
Dellamorte Dellamore
Anno: 1994
Nazionalità: Italia
Regia: Michele Soavi
Interpreti: Rupert Everett, François Hadji-Lazaro, Anna Falchi
Tratto dall’omonimo romanzo di Tiziano Sclavi

Perché questo film
Qualche giorno fa una cara amica ha nominato Dylan Dog, confessando che le sarebbe piaciuto provare a leggerne qualche numero, e chiedendomi consiglio. Sapeva che in passato ero stato un grande appassionato. Immediatamente sono corso in camera di mio fratello – dove teniamo orgogliosi una collezione di quasi 100 albi – e ho iniziato a scorrere i titoli cercando di ricordare le suggestioni che mi aveva dato ciascuno di essi. Dovevo trovare tre numeri adatti ad introdurre una persona totalmente digiuna nell’assurdo mondo di dell’indagatore dell’incubo. È successo che mi sono messo a rileggere un albo dopo l’altro, con maggiore senso critico di una volta, forse, ma non minor trasporto. Ora che ho ripreso in mano i fumetti, posso affermare con sicurezza che Tiziano Sclavi è riuscito a dare vita a qualcosa veramente speciale: ad ogni nuova pagina mi rendevo sempre più conto che niente di quel che avevo mai visto o letto assomigliava, neppure lontanamente, al mix di ironia, follia, brutalità e umanità dei Dylan meglio riusciti. Il loro sapore era unico.
Ovviamente questo discorso varrebbe se escludessimo gli altri lavori di Sclavi, ingiustamente poco conosciuti. I suoi romanzi, frutto tra le altre cose di una ricerca stilistica non da poco, sono popolati di personaggi tra il drammatico e il ridicolo che ricordano molto quelli dell’universo dylandogiano, come Block, Groucho, Madame Trelkowski e lo stesso Dylan. E tendono ad oscillare tra surreale e iperreale. Comprensibile che i romanzi di Tiziano abbiano qualcosa in comune con i suoi fumetti, direi. Ma non è finita qui: due film sono stai tratti da suoi lavori. Il soggetto di Nero. è stato sviluppato parallelamente per il cinema e per la narrativa, mentre Dellamorte Dellamore è una vera e propria trasposizione dell’omonimo romanzo. La recensione di oggi è di quest’ultimo titolo. Non si parlerà mai abbastanza di Dellamorte Dellamore, un film che merita tutte le attenzioni che ha ricevuto e anche molte di più. Si tratta di un’opera contradditoria, difficile, che si è guadagnata i più entusiastici complimenti e le più feroci critiche.
Ho guardato Dellamorte Dellamore molti anni fa, un file abbastanza rovinato, e praticamente non me lo ricordavo più. Oggi l’ho recuperato, l’ho rivisto e credo, dopo tanto tempo, di essere pronto a scriverne. Segue il mio parere.

Le due anime del film
“Mi chiamo Francesco Dellamorte. Nome buffo no? Ho anche pensato di farmelo cambiare, all’anagrafe. Andrea Dellamorte sarebbe molto meglio per esempio. Sono il custode del cimitero di Buffalora. Non so com’è cominciata l’epidemia, so solo che alcuni cadaveri, non tutti per fortuna, entro 7 giorni dal decesso di notte si risvegliano e diventano morti che camminano. Io il chiamo ritornanti, anche se non capisco perchè abbiano tanta voglia di ritornare.”
Ecco qui, la prima voce fuoricampo del film. Beffarda, distaccata, con un retrogusto amaro, non avrebbe sfigurato in textbox posto di fianco alla tavola iniziale di un fumetto. Un dichiarazione di stile, in pratica.
Sì, Dellamorte Dellamore è un film fumettoso. Di più, è un film frammentato, episodico, che presenta diverse derive splatter, apparente nonsense psicologico, e una spolverata di metafisica esistenzialista. È pieno di zombie bruttissimi e di personaggi caricati fino al ridicolo, insiste sul morboso accostamento sesso-morte, spinto fino alla necrofilia, e lo fa con una leggerezza spregiudicata e decisamente dissonante. Diversi personaggi vomitano, sbavano, sanguinano copiosamente, sbranano e si fanno sbranare. Una schifezza. In tanti hanno definito il film una schifezza.
Poco male. Lì fuori è pieno di B-Movie osceni, sanguinolenti e non esattamente credibili, che tuttavia si sono ritagliati una fetta di pubblico grazie agli eccessi sgraziati che sono stati capaci di proporre. Dellamorte Dellamore ha qualcosa in comune con questo cinema rozzo e casalingo. Ma no, la pellicola di Soavi non è un film spazzatura. Possiede alcune delle caratteristiche dei suoi cugini trash, ma, dove questi potevano offrire, a livello di contenuti, poco più che un vuoto nichilismo, Dellamorte Dellamore è un tripudio di emozioni. Insieme a Francesco Dellamorte, esattamente come insieme a Dylan Dog, lo spettatore sensibile si commuove, si dispera, si aliena, si confonde e si rassegna. E ride.

Film, fumetto, romanzo
È sbagliato, ovviamente, sostenere – come è stato fatto – che Dellamorte Dellamore sia l’unico vero film di Dylan Dog. Certamente è più vicino all’opera cartacea di quanto lo sarà mai qualsiasi cosa fatta dagli americani, ma si tratta di due prodotti diversi, come vedremo. D’altra parte non si può negare che film e fumetti abbiano molte caratteristiche in comune: in entrambe le opere sfocate e drammatiche storyline si srotolano all’interno di una cornice umana molto convincente, popolata di personaggi caricaturali ma mordaci e punteggiata di uscite sarcastiche.
Dylan Dog e Francesco Dellamorte, il primo camicia rossa, il secondo bianca, entrambi con il volto dell’attore inglese Rupert Everett, sono uno l’alterego dell’altro in molti sensi. Sono autoironici, sono trasandati, sono malinconici. Ma dove il primo combatte un perenne corpo a corpo con un turbinante universo di individui sconfitti, che in un modo o nell’altro si trasformano in mostri, il secondo è con sé stesso che fa a pugni. La noia, la solitudine, la delusione e un profondo intreccio di eros e thanatos trascineranno Francesco Dellamorte molto in basso. Inoltre, come in Dylan Dog non risulta mai molto chiaro se il paranormale sia effettivamente esistente o si tratti di poco più che presenze che aleggiano ai bordi della coscienza del mondo, non capiamo se in Dellamorte la spirale di violenza che si innesca a un certo punto sia effettivamente reale oppure no. Ma, se nel primo caso la maggior parte dei fantasmi fluttuano attorno all’indagatore dell’incubo, e non dentro, nel secondo infestano direttamente il protagonista.
Il romanzo di Sclavi è ancora più sporco e cinico del film, in realtà. Quel Dellamorte, seduto su un scarcasmo ancor più rancido dei ritornanti, è uno spaventapasseri ben più odioso della sua controparte di cellulosa. E definire lo Gnaghi di carta un mostro deforme significherebbe fargli un complimento. Seguendo il commento di un sagace utente su Youtube, che definiva il film un horror shakesperano, si potrebbe dire che il libro è piuttosto un horror freudiano e il fumetto (tra le altre cose) un dramma bergmaniano. La pellicola è una notevole sintesi tra l’anima delle due opere di Sclavi: abbiamo un Dylan Dog meno romantico e più abbruttito, che abita una Buffalora a dir poco spettrale.

Struttura
Il ritmo del film è buono, anche se nella parte centrale la ridondanza di certe scene può arrivare ad annoiare. È proprio questa sezione la più scabrosa e sanguinolenta, con un regista che insiste parecchio sui dettagli orrorifici. Soavi è fin troppo bravo nel raccontare la fisicità della morte, con la sua puzza, il suo pallore, le unghie marce e cadenti, la pelle livida e sporca; così bravo che ci prende un po’ troppo gusto e finisce col sottomettere la fascinazione gotica della prima parte del film ad una deriva body horror che alla lunga diventa ripetitiva. In questa parte si susseguono sottotrame una via l’altra: l’amore impossibile tra l’assistente di Francesco (Gnaghi, grasso, ritardato e iperemotivo) e lo zombie della giovane figlia del sindaco; l’attaccamento morboso di una ragazza al suo innamorato morto; la scena incredibilmente trash della castrazione; l’invasione dei boy scout zombie, con annessa suora assassina. Un sacco di morti viventi, un sacco di storie tristi, perfino struggenti, che finiscono molto male. Quanto è sgangherata la lunga parte centrale di questo film! Non è certo un punto di forza, questo, ma bisogna dire, neanche di debolezza. Più che altro si tratta di un marchio di fabbrica. Il successo di Dylan Dog fu conseguenza, tra le altre cose, dell’improbabilità di strutture narrative che si reggevano in piedi per miracolo, fatte di scene sconnesse ma internamente molto valide. Parole non mie, ma addirittura di Umberto Eco, che per questa intensità sconnessa ha paragonato il fumetto di Sclavi a niente popò di meno che alla Divina Commedia.
Anche se ho parlato di “strutture narrative che si reggono in piedi per miracolo”, in realtà non c’è di mezzo nessun miracolo. Il fatto è che, nel fumetto come nel film, le vicende centrali sono incapsulate in una dimensione umana così vera e così bella da permettere loro di acquistare molto più senso di quello che avrebbero avuto se fossero state presentate da sole. L’inizio e il finale del film sono senza alcun dubbio le parti migliori, così come le incursioni di alcuni dei personaggi secondari più gustosi che vi sarà mai capitato di incontrare. Straniero è il nome del commissario di polizia in ogni singolo lavoro di Sclavi e qui è uno svampito uomo di mezza età che si depista da solo ogni volta che si presenta qualche indizio concreto; il sindaco è una caricatura delle figure politiche interessate solo all’esito delle future elezioni, assolutamente incapace di pensare ad altro se non alla successiva campagna elettorale; Gnaghi è allo stesso tempo ributtante e tenerissimo, così innocente e così desolatamente segnato dalla sua malattia (il ritardo mentale non è mai trattato con superficialità da Sclavi); infine Francesco Dellamorte è un solitario patologico talmente autolesionista da suscitare ben presto una grande pena in chi guarda, nonostante il sarcasmo con cui egli riesce ad affrontare la sua vita.

Tematiche
Nel caso vi stiate chiedendo di cosa parla il film, tolti tutti i fronzoli psicologici, lo splatter e l’ironia nera, ecco la mia opinione: morte, amore e tempo. Dei primi due aspetti ho già accennato qualcosa, ma in generale riassumerei la cosa dicendo che l’amore qui è visto come forza distruttiva, ben più dell’odio, qualsiasi cosa sia l’odio. Un bellissimo “dialogo” verso la fine del film mette bene in chiaro questo punto.
La terza tematica meriterebbe qualche parola in più ma non vorrei spoilerare più di quel che ho già fatto. Si può dire che la progressiva fatica della routine che si tramuta in claustrofobico panico da intrappolamento è una delle tematiche ricorrenti nell’opera di Sclavi. Anche in Dellamorte è presente, in maniera poco esplicita e subdolamente disseminata un po’ ovunque (la tv, il sindaco, il “ritorno dei morti”), ed esplode in un finale da capogiro che io personalmente colloco nella mia top 5 dei finali più geniali e inaspettati di tutto cinema. Un finale che, a modo suo, propone una Pistola di Cechov maiuscola, enorme, totale. Si può dire che ha le potenzialità di fare ripensare a tutta la vicenda.

Concludendo
E ora qualche osservazione disordinata.
– Anna Falchi non sa recitare, ma fisicamente è davvero tanto simile ad alcune delle fiamme di Dylan Dog (Amber ad esempio, in Golconda). Purtroppo ha una parte molto importante nella storia, che rovina quasi totalmente.  Anna Falchi è il difetto principale di Dellamorte Dellamore, difficile da perdonare anche di fronte al meraviglioso seno messo in mostra ripetutamente.
– Il film ha avuto parecchio più successo in Inghilterra, negli States e in Germania che in Italia. In parte questo deve essere dovuto al fatto che la voce impastata e imbalsamata della Falchi è stata risparmiata alle audience estere grazie ad un sapiente doppiaggio; in parte ciò dimostra che il film possiede un respiro internazionale, e che se quei delinquenti del Platinum Studio avessero avuto un po’ più di rispetto per il materiale originale avrebbero potuto guadagnare parecchio di più dalla versione transoceanica di Dylan Dog.
– La colonna sonora è spaziale. Sarà che sono un fan dei motivetti ossessionanti alla Clint Mansell, sarà che ho apprezzato particolarmente il modo in cui riusciva a sposarsi con il fascino decadente delle ambientazioni cimiteriali, sarà che per me l’elettronica nelle soundtrack non è mai troppa. Sarà che sono un fan di Manuel De Sica. Però, wow.
– Nei titoli di coda compaiono i nomi di due scultori. Scultori, esatto. Il cimitero è pieno di statue, alcune parecchio suggestive, ma ancora prima che per queste sono rimasto a bocca aperta di fronte a un modellino dell’isola dei morti di Arnold Bocklin. Una citazione di gran classe. C’è anche una bella citazione da un’opera di Magritte e un’altra da Quarto Potere. Viene omaggiata perfino Arancia Meccanica di Kubrick, anche se qui in maniera non tanto sottile e per questo un po’ pacchiana.

Io odio i B-Movie. Li trovo insulsi, autocompiaciuti e inutilmente volgari. Anche qui, in questo film, ci sono almeno un paio di scene esagerate e gratuite. Il punto è che Soavi si fa perdonare, per la sua maestria con la macchina da presa, per il team artistico di altissimo livello che è riuscito mettere insieme e, anche se non è merito suo, per ambientazione e storia, che sono fantastiche. Io consiglio Dellamorte Dellamore a tutti, davvero a tutti. Qualcuno abbandonerà la visione dopo pochi minuti schifato, qualcuno lo finirà solo per poterne dire male, qualcuno rimarrà interdetto a lungo, qualcuno lo considererà un prodotto malriuscito per poi rivalutarlo, qualcuno lo adorerà. Qualunque sia la vostra reazione almeno avrete visto qualcosa di diverso da solito, realmente diverso. E mi ringrazierete, spero.

Voto: 10/10

 
2 commenti

Pubblicato da su 12 gennaio 2014 in Commedia, Drammatico, Horror, Psicologico

 

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I Sospiri del mio Cuore

sospiri
Titolo originale
: Mimi o Sumaseba (trad. lett. Se tendi l’orecchio)
Titolo italiano: I Sospiri del Mio Cuore
Anno: 1995
Nazionalità: Giappone
Regia: Yoshifumi Kondō
Sceneggiatura: Hayao Miyazaki

Perché questo film
La scorsa settimana mi trovavo in uno dei tanti centri Mondadori di Milano quando, girovagando tra gli scaffali della sezione cinema, ho avuto un attacco di serendipità. Avrei guardato e recensito un anime d’annata, preferibilmente non troppo mainstream, del genere racconto urbano, favola di formazione o novella ambientalista – tutte cose che giapponesi sanno fare davvero molto bene. Mentre scorrevo con lo sguardo la corposa collezione di animazione nipponica a disposizione, tre titoli sono riusciti ad attirare la mia attenzione. Viaggio verso Agartha si presentava come una leggera e colorata avventura fantasy, una specie di incrocio tra Laputa e Howl, diretta da un regista emergente ma, secondo la quarta di copertina, molto talentuoso; Le voci della nostra infanzia, dai disegni più ruvidi e scoloriti, sembrava proporre una vicenda meno trasognata, contraddistinta dall’asprezza del secondo dopoguerra; I sospiri del mio cuore (titolo chiaramente frutto di una pessima scelta di distribuzione), appariva come un dramma adolescenziale di crescita, maturazione e disillusione. Dopo essermi segnato i titoli sono tornato a casa e ho cercato i film su internet. L’eccellente qualità dello streaming de I sospiri del mio cuore mi ha convinto subito. E così ecco qui la nuova recensione.

Genere
Appena sopra ho scritto che il film “appariva come un dramma adolescenziale di crescita, maturazione e disillusione”. Appariva. Le mie impressioni iniziali si sono rivelate esatte? Beh, abbastanza, anche se non completamente.
Il termine dramma può venire utilizzato con varie intenzioni e accezioni e quindi, a differenza della quale si sceglie, esso può rivelarsi più o meno appropriato. Se ci si affida all’etimologia classica è un semplice sinonimo di “storia”, fondamentalmente privo di sfumature, mentre se lo si utilizza nel suo significato più spinto esso può assumere tinte anche molto oscure, arrivando a combaciare con il termine “tragedia”. Io intendevo, e generalmente intendo, una via di mezzo tra questi due estremi: per me un dramma è una storia ricca di conflitto, qualsiasi genere di conflitto, e soprattutto conflitto che può risolversi come non risolversi e che può condurre sia a grandi dolori sia a grandi gioie. Non c’è un giudizio di valore. I sospiri del mio cuore è un film pieno di incontri e di scontri: tra ragazzi e ragazze, tra genitori e figli, tra realtà e aspirazioni, tra presente e futuro. Dunque, per me, è un dramma.
“Adolescenziale” (senza la i, mi raccomando!) è un altro termine abbastanza vago. Bisognerebbe mettersi d’accordo sul momento in cui inizia l’adolescenza e quando finisce. Volendo essere particolarmente pedanti i ragazzi protagonisti, che hanno 13 anni, si trovano proprio nel periodo di transizione tra pre-adolescenza ed adolescenza. Che cosa diavolo sia la pre-adolescenza non saprei dire, per cui preferisco parlare di passaggio tra infanzia e adolescenza, che è fondamentale, insomma, perché i desideri di indipendenza diventano prepotenti, si inizia a pensare alla direzione da dare alla propria vita e la componente emotivo-sessuale vive un’amplificazione non da poco.
Crescita, maturazione e disillusione sono momenti importanti del percorso verso la dimensione adulta. I ragazzi protagonisti nel corso della vicenda maturano moltissimo, e non in maniera indolore. C’è una gran turbolenza nel modo di porsi di Shizuku, c’è energia, confusione, desiderio e paura: la sua crescita è complessa e conflittuale e per questo drammatica, e molto vera. Ma non me la sentirei di parlare di disillusione. Nella vita di tutti i giorni disillusione fa rima con rassegnazione, con la consapevolezza di dover accettare anche i lati peggiori della vita. No, I sospiri del mio cuore non è un film disilluso, anzi è un film speranzoso. I personaggi realizzano di dover scendere a compromessi con il mondo, che non si può avere tutto e soprattutto che non si può averlo subito, ma questa comprensione dona gusto ai quotidiani progressi, piuttosto che scolorirli.
Poi, in più, il film offre diverso altro materiale a cui sarebbe possibile dare un nome. Vi è una componente musicale non secondaria, che incornicia la vicenda e riemerge ora qui ora lì. La dimensione fantastica, quasi mitica, che aleggia per la prima parte del film, a un certo punto irrompe con una certa forza sulla scena. L’ambientazione suburbana è importante (oltre che visivamente suggestiva), dipinge vite frenetiche e stressanti, da cui diventa importante trovare rifugio.

Storia e Personaggi
Ma insomma, di cosa parla, I sospiri del mio cuore? Parla di Shizuko e di Seiji, destinati ad incontrarsi, il cui iniziale attrito si trasforma in un sincero affetto, che poi diventa amore. Ma c’è dell’altro. I ragazzi sono tormentati dalle loro ambizioni. Dal loro bisogno di avere ambizioni. Della necessità di mettersi alla prova. Di esprimere loro stessi. E di dimostrare qualcosa al mondo. Avranno bisogno l’uno dell’altro per chiarirsi le idee, lasciarsi andare, fare progetti e trovare il coraggio necessario per imbarcarvicisi.
Ma tutto questo in maniera sottile e non banale, non vi è nessun aperto patetismo o esplicita comunione tra di loro; semplicemente l’individualità dell’uno giunge a trovare in quella dell’altro uno spunto di riflessione, una fonte di energia, uno specchio in cui riflettersi e una realtà con cui confrontarsi.
È bellissimo assistere alla crescita del rapporto tra i due, a tutte le sfide e alle frecciatine che inizialmente si lanciano, al percorso emotivo che li conduce dall’imbarazzo all’ammirazione, dalla tenerezza all’attaccamento. Ed è abbastanza emblematico il fatto che la maggior parte degli antagonismi che l’uno e l’altro devono affrontare vengono dalle rispettive famiglie. In particolare Shizuko ha una madre assente e non esattamente premurosa e una sorella maggiore severa e poco comprensiva. Si tratta si figure appropriatemene sfocate, sempre in movimento, troppo indaffarate per potersi fermare ad ascoltare; non sono in cattiva fede, semplicemente fanno fatica a capire la giovane ragazza e tendono a considerare i loro problemi molto più grandi di quelli di lei. È difficile per Shizuko, cresciuta in mezzo alle pretese, ai silenzi e probabilmente a leggere pressioni economiche, riuscire ad esprimersi in libertà. Per fortuna l’incontro con Seiji e con il suo vecchio nonno la libereranno dalle fatiche della quotidianità familiare e le insegneranno a guardarsi dentro un po’ di più. Il nonno in particolare è un personaggio molto positivo, calmo, paziente e saggio. Paradossalmente è più vicino lui al mondo dei ragazzi di quanto lo siano i loro genitori, così indaffarati e così distanti. La vecchiaia, sembra dirci il regista, insieme alla passione per la musica, predispone all’ascolto, alla comprensione all’aiuto.

Concludendo…
Un po’ di cose disordinate.
I disegni sono pazzeschi, e c’era da aspettarselo, dato che si tratta di un film dello Studio Ghibli. I disegnatori sono fantastici nel loro saper catturare con pochi tratti lo stato d’animo dei personaggi. Lo stile degli anime, se si escludono le sue derive più naturaliste, è uno stile stilizzato, espressionista, che enfatizza la mimica facciale; solo che, mentre questa caratteristica viene utilizzata solitamente per suscitare comicità o orrore o altre ben definite emozioni, qui, grazie allo studio di Miyazaki, diventa arte. L’incontro tra la sintesi emotiva compiuta dal leggero tratto con cui sono disegnate le figure e la suggestione pittorica dei fondali è magico.
Il film, per me, dura un po’ troppo. E’ bello in ogni suo punto, ma verso i 2/3 ho iniziato a percepire un po’ di affaticamento, in parte per la lentezza dei tempi narrativi, in parte perché la storia prende una svolta particolare e si resta per molto tempo in attesa che succeda qualcosa di sostanzioso. Per quel che mi riguarda l’attesa viene ripagata – anche se non in maniera pirotecnica ma con una scena di grande intima intensità che vede protagonista Shizuko e il nonno di Seiji – però che fatica arrivarci! Il finale invece, anche se inizialmente può sembrare mutilato e lasciare a bocca asciutta, secondo me è ottimo. Una storia di transizione e trasformazione non poteva che concludersi con un inizio, è giusto così.
Infine, il target. Uno dei grandi pregi di questi film è che parlano un po’ di tutto, e lo fanno in maniera accessibile sia ai più giovani sia a chi è più maturo. Consiglierei I sospiri del mio cuore ai tredicenni in crisi di identità come ai loro genitori che fanno fatica a capirli e non sanno bene come comportarsi. Lo consiglierei ai ragazzi come alle ragazze, perché, nonostante l’anima del film sia femminile, la storia di Shizuko insegna come è possibile comprendersi e comunicare, oltre che tra generazioni anche tra sessi diversi. E infine consiglierei il film a chiunque sta affrontando dei cambiamenti nella propria vita, in particolare persone come me, cioè ragazzi-adulti, in parte spinti dal forte desiderio di emancipazione e in parte trattenuti da un’incatenante necessità di protezione. Miyazaki, Kondo e lo Studio Ghibli ci possono fare forza e aiutare a capire dove stiamo sbagliando.

“Non c’è niente da temere: nei giorni di luna nuova lo spazio si distorce. Ciò che è distante appare vicino e ciò che è prossimo più piccolo, solo questo.”

Voto: 9/10

 
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Pubblicato da su 8 dicembre 2013 in Animazione, Commedia, Drammatico, Teen

 

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A Late Quartet

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Titolo originale
: A Late Quartet
Titolo italiano: Una Fragile Armonia
Anno: 2012
Nazionalità: USA
Regia: Yaron Zilberman
Interpreti: Philip Seymour Hoffman, Christopher Walken, Imogen Poots, Catherine Keener

Perché questo film
In famiglia, da me, si è sempre ascoltata moltissima musica classica. Mio fratello suona il violino da più di 10 anni e, un po’ per questo, un po’ per indole personale, i miei sono da sempre appassionati – tra le altre cose – di musica da camera. Avevo scaricato per mia mamma la versione inglese di questo film quando ancora in Italia non si parlava di distribuzione e ieri, mentre decidevo cosa guardare e recensire, me lo sono trovato davanti. Ho pensato: “un film drammatico che tratta le difficoltà di un microcosmo musicale, con Philip Seymur Hoffman… figata!” Così mi sono preso il pomeriggio libero e l’ho guardato. Segue il mio parere.

Trama
Stati Uniti, giorni nostri. La solida alchimia di un famoso quartetto di archi entra in crisi nel momento in cui il membro più anziano, il violoncellista Peter, inizia ad accusare i primi sintomi del morbo di Parkinson. Daniel e Robert, rispettivamente primo e secondo violino entrano in conflitto per diversi motivi, legati al passato e al presente, e si litigano il ruolo. Robert e Juliet, marito e moglie, vivono i conflitti interni al gruppo in maniera poco adulta e poco unita, e finiscono per allontanarsi. La loro figlia, Alex, reagisce in maniera rabbiosa alla crisi coniugale dei genitori, portando a galla vecchi dolori e cercando consolazione là dove non dovrebbe. Juliet è stata adottata da Peter dopo la morte della madre, e ha conosciuto Robert grazie al quartetto, dopo avere avuto una storia con Daniel. Quel che vediamo sullo schermo è un intreccio fitto di legami affettivi e professionali, che spesso tendono a sovrapporsi e si organizzano a comporre un quadro intenso, centrato sulle relazioni, sui loro risvolti ombrosi, sulla loro forza  – e ciò fa di A Late Quartet un film sulla famiglia, ancor prima che un film sulla musica.

Struttura
Leggendo la sinossi si potrebbe pensare che il film voglia parlare di un po’ troppe cose, e una sensazione simile la si prova anche guardandolo. È un equilibrio difficile quello a cui ambisce il regista Yaron Zilberman, che si impegna a fondo affinché la sua narrazione risulti centripeta e non centrifuga. E ci riesce… cioè, il baricentro della narrazione rimane sempre il quartetto, con il suo passato, i suoi problemi, i suoi rapporti di forza e le sue storie d’amore. A Late Quartet è un film sui ruoli, sui conflitti che essi possono causare tra le persone e nelle persone, specie quando lavoro e famiglia tendono ad amalgamarsi troppo. C’è grande consapevolezza di scrittura nel gestire le identità personali e collettive cui partecipano Peter, Daniel, Robert e Juliet, nel mostrarle in conflitto e poi in crisi. Ma, mentre da un lato questa consapevolezza e questa pragmaticità registica consentono al film di rimanere compatto e non sbrindellarsi in una coralità che avrebbe avuto poco a che fare i temi trattati, da un altro lato rendono l’opera un po’ stilizzata, un po’ troppo composta, e in definitiva non così sorprendente. Almeno, non sorprendente sul piano narrativo. La storia è ben congegnata, gli equilibri tra personaggi efficienti, tuttavia a volte si annusa l’artificio dietro tutto questo, nell’impegno ad aprire e chiudere parentesi così diligentemente, a recuperare tutti i dettagli introdotti per riutilizzarli. La conseguenza di ciò è che quasi nulla di quel che si vede arriva a coinvolgere veramente, nulla ci lascia così stupiti e il tutto rischia di passare e finire senza lasciare molta traccia. A Late Quartet è un film un po’ moscio, perchè un po’ troppo garbato.

Interpretazione
Questo se non ci fossero due ulteriori livelli cinematografici in grado di arricchire di molto l’esperienza dello spettatore. Il primo – ce lo si poteva aspettare – è la recitazione. Chi guarda un film così, me compreso, molto prima che per la storia o per le tematiche trattate, lo fa per gli attori.
Philip Seymur Hoffman, per non chi lo conoscesse, è un camaleonte: sembra essere nato per tutti i ruoli in cui ha recitato. Qui intrepreta Robert, un secondo violinista lievemente frustrato che, scosso dalla malattia di Peter, arriva a rendersi conto di aver rinunciato a troppe cose nella vita. La struttura del film non ci permette di immergerci completamente nella dimensione umana di David, non dispone di scene volte a fare interiorizzare al pubblico la sua confusione, la sua testardaggine, il suo crescente astio nei confronti di David, ma, per fortuna, molte emozioni passano grazie alla grande interpretazione di Philip Seymur Hoffman. Il suo sguardo basso e rabbioso, la sua postura, la sua voce veemente ma spezzata raccontano lo stato di mortificazione del personaggio in maniera molto vivida.
Cristopher Walken è forse ancora più intenso nella sua interpretazione di Peter. Quello sguardo vispo ma a tratti sconsolato, quella punta di risolutezza in una voce altrimenti pacata, i movimenti rapidi e precisi, da violoncellista navigato, che si sbriciolano a causa del Parkinson. La sua è una prova incredibile. Tutti gli attori sono incredibili, così come lo è l’abilità del dirigerli. Chapeu a Zilberman su questo.

Musica
Il secondo aspetto importante per la riuscita del film è il dialogo che la narrazione ha con la musica. Musica che inizialmente porta alla scoperta della malattia di Peter, ed è quindi destabilizzante, musica che accompagna il gruppo al momento di maggiore conflitto del film e, alla fine, musica che sostiene, che colma i vuoti e che unisce le persone. L’opera 131 di Beethoven, una delle più difficili del compositore, presentata fin da subito come una corsa da far venire il fiatone, chiosa la storia, la riempie di sfumature e ne offre una lettura alta, sublimata. Della musica si parla più e più volte: persone che amano la musica e vivono di musica non possono che confrontarcisi continuamente. Così una descrizione del lavoro del secondo violino, sommesso ma colorato, che dà profondità alla melodia, viaggiando “appena sotto la superficie”, diventa un po’ la descrizione dello stile di vita che si è scelto Robert. Oppure, il suggerimento di Peter ai suoi allievi di valorizzare quel che di buono c’è in un’interpretazione piuttosto che di struggersi per quel che non funziona individua il grande problema che hanno un po’ tutti, da Daniel a Juliet, ovvero non riuscire a trovare sufficiente quel che di bello hanno nella loro vita. Ancora, la sfida che Robert lancia a Daniel, di lasciarsi andare di più nella musica, abbandonando la freddezza e il calcolo a favore della passione, segnerà un momento importante nella vicenda, perché verrà presa un po’ troppo alla lettera.

Insomma, A Late Quartet sarà forse un po’ prevedibile, costruito (come certa musica) in maniera matematica, ma questo aspetto è identificabile solo una volta che si è giunti alla conclusione e si tirano le somme. Stare dentro al film, e farsi trascinare dalla crescente turbolenza della storia, venire ammaliati dal grande lavoro attoriale ed essere stimolati dai dialoghi, è molto appagante. Nulla risulta davvero scontato, nulla davvero noioso. Oltre ad essere un po’ moscio e troppo garbato, come detto, A Late Quartet è un film stratificato e maturo, che merita di essere visto.

Voto: 7/10

 
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Pubblicato da su 3 novembre 2013 in Drammatico, Musicale

 

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